Лист за преговор: Les Fondements de l'Art et de la Beauté

📋 Plan du Cours

1. Origine commune de l’art et de la technique
2. Art comme activité spécifique face à la technique
3. Artiste et artisan selon Alain et les règles
4. Génie artistique : inspiration et création de règles
5. Destruction contemporaine de l’œuvre d’art
6. Art comme imitation de la nature
7. Platon : l’art éloigne de la vérité
8. Hegel : l’art manifeste l’esprit
9. Dévoilement du réel : apprendre à voir
10. Objectivité du beau : le beau comme parfait
11. Subjectivité du goût : le beau me plaît
12. Universalité du jugement de goût chez Kant

📖 1. Origine commune de l’art et de la technique

🔑 Notions clés & Définitions

• Art : L’art désigne d’abord un savoir-faire acquis, puis au sens moderne les activités visant la production d’œuvres esthétiques.
• Technè : La technè est l’habileté humaine de fabrication, appliquée autant aux objets utiles qu’aux objets d’art.
• Beaux-arts : Les Beaux-arts regroupent les activités dont la finalité est la réalisation d’œuvres belles, appréciées par le sensible.
• Art comme technique : L’art comme technique renvoie au talent et à l’habileté de fabrication d’objets, sans différence de nature avec d’autres productions.
• Art comme création du beau : L’art comme création du beau désigne la production d’œuvres esthétiques dont la valeur tient à la beauté.

📝 Points essentiels

• Le mot art vient du latin ars, qui traduit le grec technè, et renvoie au talent et au savoir-faire acquis par apprentissage.
• La technè désigne une habileté proprement humaine à fabriquer des objets utiles comme des objets d’art, d’où une origine commune.
• Pendant longtemps, un même individu pouvait être artisan, artiste et technicien, et la valeur esthétique dépendait des qualités techniques et des matériaux.
• L’art, pendant des millénaires, est essentiellement compris comme technique, c’est-à-dire l’ensemble des moyens artificiels pour produire des objets.
• La séparation moderne entre technique, artisanat, industrie et beaux-arts est récente, et le sens moderne d’art apparaît au XVIIIe siècle.
• Deux sens du mot art coexistent : art comme technique (savoir-faire) et art comme création du beau (œuvres belles).

💡 Astuce mémo

Technè = savoir-faire humain : même racine pour fabriquer utile et beau ; XVIIIe = séparation moderne.

📖 2. Art comme activité spécifique face à la technique

🔑 Notions clés & Définitions

• Activité désintéressée de l’artiste : Activité artistique où l’œuvre n’est pas produite comme moyen de subsistance, mais comme fin en soi pour celui qui la fait.
• Activité intéressée de l’artisan : Activité artisanale orientée vers l’utilité et la subsistance, où le produit sert de valeur d’usage pour quelqu’un d’autre.
• Valeur d’usage : Notion économique désignant un bien ou service utile, destiné à être consommé ou utilisé par celui qui en a besoin.
• Art libéral : Forme d’activité libre, non assujettie aux besoins extérieurs, dont la production n’est pas déterminée par une demande sociale.
• Artisanat mercenaire : Activité de métier visant à gagner sa vie, où l’exécution répond à des contraintes liées à la subsistance.

📝 Points essentiels

• L’artisan produit une valeur d’usage utile à autrui, tandis que l’artiste ne vise pas un bien consommable comme fin économique.
• L’artisanat appartient à la sphère du travail intéressé, car le produit sert de moyen pour gagner sa vie.
• L’art est dit libre car les œuvres ne répondent à aucune nécessité sociale ni à un besoin de subsistance.
• Kant oppose l’art libéral au métier mercenaire : l’art n’est pas un travail au sens de la rémunération.
• L’opposition centrale est liberté contre contrainte : l’artiste crée sans être déterminé par l’extérieur, l’artisan travaille sous nécessité.
• L’activité artistique est une fin en soi comparable au jeu : on fait pour faire, pas pour subvenir à ses besoins.

💡 Astuce mémo

Art = fin en soi (comme le jeu) ; Artisan = moyen de subsistance (valeur d’usage).

📖 3. Artiste et artisan selon Alain et les règles

🔑 Notions clés & Définitions

• Règle technique : Une règle technique est une procédure à connaître et suivre pour produire un objet en visant une fin déterminée.
• Académisme : L’académisme est la reproduction systématique de règles hors du contexte de l’œuvre originelle.
• Maniérisme : Le maniérisme est l’exagération de la règle, appliquée mécaniquement en dehors de l’œuvre d’origine.
• Génie artistique : Le génie artistique est un don naturel qui permet de créer une beauté imprévue, au-delà du travail et de la technique.
• Talent artistique : Le talent artistique correspond à une application maîtrisée des règles de l’art, obtenue par un travail souvent laborieux.

📝 Points essentiels

• La règle, au sens technique, sert de moyen nécessaire vers une fin, mais chez l’artiste elle n’est pas connue avant l’œuvre et n’apparaît qu’après coup.
• L’artiste crée dans le même acte la règle et l’œuvre, ce qui rend la règle intransmissible et empêche de refaire l’œuvre comme telle.
• L’artiste obéit à des règles sans en avoir conscience, et son génie ne peut expliquer rationnellement comment il produit ses œuvres.
• L’application mécanique de règles hors contexte est possible et prend la forme de l’académisme (systématisation) ou du maniérisme (exagération).
• Le génie est défini comme une grâce de la nature, un supplément d’âme que l’apprentissage et la technique ne suffisent pas à produire.
• Le beau en art n’est pas un projet représentable ou prémédité : il est découvert au fur et à mesure de l’activité artistique, et l’artiste devient spectateur de la beauté plutôt que son auteur conscient.

💡 Astuce mémo

Règle→œuvre : chez l’artiste, la règle naît après l’acte (impossible à transmettre).

📖 4. Génie artistique : inspiration et création de règles

🔑 Notions clés & Définitions

• Génie artistique : Notion désignant une capacité exceptionnelle censée expliquer la création artistique sans effort ni règles explicables.
• Spontanéité de la nature : Idée selon laquelle la création serait comparable à un jaillissement naturel, donc difficile à justifier rationnellement.
• Monomanie : Caractéristique attribuée aux grandes œuvres humaines : l’esprit est engagé dans un seul but et une seule direction.
• Mythe romantique du génie : Croyance qui présente l’artiste comme surhumain, en masquant le travail réel derrière l’œuvre.
• Ready-made : Objet manufacturé exposé tel quel pour contester la définition traditionnelle de l’œuvre d’art.

📝 Points essentiels

• Le génie artistique est présenté comme inexpliquable : l’artiste ne peut pas dire d’où viennent ses idées ni quelles règles il suit.
• Nietzsche refuse l’idée d’une différence de nature entre savant, technicien et artiste : toutes les grandes œuvres relèvent d’un engagement total.
• Nietzsche décrit la création comme un processus avec observation, travail rigoureux, élaboration patiente, essais et erreurs.
• Nietzsche affirme que l’inexplicable n’est pas miraculeux : aucune œuvre n’a une dimension divine ou supra-humaine.
• Nietzsche critique la croyance au génie comme illusion qui cache le travail acharné et alimente l’idée d’une spontanéité sans effort.
• Nietzsche donne trois raisons au mythe du génie : plaisir esthétique, suppression de l’envie par l’admiration, et effacement du travail derrière l’œuvre finie.

💡 Astuce mémo

Inexplicable ≠ miraculeux : génie = travail caché (plaisir, envie neutralisée, processus effacé).

📖 5. Destruction contemporaine de l’œuvre d’art

🔑 Notions clés & Définitions

• Marcel Duchamp : Artiste qui refuse la conception traditionnelle de l’art et propose une approche où l’objet ordinaire peut devenir œuvre.
• Anartiste : Position d’artiste qui se situe contre l’idée classique du créateur et du modèle traditionnel de l’art.
• Ready-made : Objet du quotidien présenté comme œuvre d’art après détournement de sa fonction utilitaire par l’artiste.
• Andy Warhol : Artiste qui transforme la reproduction mécanique et la sérialité en moyen de production artistique.
• Théorie de l’art : Ensemble d’idées qui, avec le contexte, fait entrer un objet dans le monde de l’art plutôt que de le réduire à sa simple réalité.

📝 Points essentiels

• Duchamp conteste l’opposition classique entre art et technique en intégrant des objets et matériaux techniques dans l’art.
• Le ready-made consiste à exposer un objet manufacturé standardisé en le sortant de son usage pour en faire une œuvre.
• En 1917, Duchamp présente un urinoir signé du nom d’un fabricant sous le titre Fontaine.
• Warhol utilise la sérigraphie pour reproduire mécaniquement un portrait (Marilyn Monroe) en série, en réduisant l’image à ses traits essentiels.
• Warhol expose aussi des boîtes de Brillo en empilement (1964), présentées comme ready-made.
• Un ready-made ne devient pas œuvre par ses seules propriétés matérielles, mais par l’intention créatrice et la théorie mobilisée par l’artiste pour donner du sens à l’objet.

💡 Astuce mémo

Ready-made = objet banal + intention + contexte = œuvre.

📖 6. Art comme imitation de la nature

🔑 Notions clés & Définitions

• Perspective : La perspective est une technique de peinture qui géométrise l’espace pour créer l’illusion de la profondeur sur une surface plane.
• Glacis : Les glacis sont des couches transparentes superposées en peinture à l’huile pour faire apparaître avec précision les matières et les reflets.
• Peinture à l’huile : La peinture à l’huile est une technique qui permet, grâce aux glacis, de rendre finement les textures et les matériaux.
• Traité de la peinture : Le Traité de la peinture est un texte de Léonard de Vinci qui donne des préceptes aux peintres et propose la nature comme norme.
• Allégorie de la Caverne : L’allégorie de la Caverne est un récit de Platon qui oppose le monde sensible des apparences au monde intelligible des Idées.

📝 Points essentiels

• La Renaissance prend la nature comme modèle et vise une reproduction fidèle du réel sur la toile.
• Pour imiter la nature, les artistes étudient ses structures et ses lois et inventent des techniques pour traduire la perception du visible.
• Entre 1430 et 1530, les artistes se passionnent pour la géométrie, l’optique, l’anatomie, la physionomie, la botanique et la zoologie.
• La perspective repose sur une rationalisation du visible : toutes les lignes convergent vers un point de fuite et la taille diminue avec l’éloignement.
• La perspective est une construction mentale rationnelle et idéale qui cherche une conformité quasi scientifique au réel.
• Le tableau est présenté comme une « fenêtre ouverte sur le monde » et comme un miroir de la vision objective de l’artiste (Alberti).

💡 Astuce mémo

Perspective = lignes qui fuient + objets qui rapetissent = profondeur sur une toile plate.

📖 7. Platon : l’art éloigne de la vérité

🔑 Notions clés & Définitions

• Lit idéal : Le lit idéal est le modèle intelligible, universel et éternel, dont les choses sensibles ne sont que des copies.
• Copie d’une copie : La copie d’une copie désigne le fait que l’œuvre artistique reproduit déjà une apparence produite par un artisan, donc une apparence d’apparence.
• Mauvaise mimesis : La mauvaise mimesis est l’imitation qui prend pour modèle l’apparence sensible au lieu d’imiter l’Idée.
• Simulacre : Le simulacre est une apparence trompeuse produite par l’art, qui éloigne de la vérité en enfermant dans le sensible.
• Bonne imitation : La bonne imitation est l’imitation qui prend pour modèle l’intelligible et fait apparaître l’Idée dans le monde sensible.

📝 Points essentiels

• Le lit sensible fabriqué par l’artisan est déjà une copie du lit idéal, donc l’artiste produit une copie d’une copie.
• Le peintre ne copie que l’apparence du lit, ce qui fait de l’art une imitation « éloignée de la nature » à plusieurs degrés.
• La peinture est une mimesis imitative mais jugée mauvaise car elle imite l’apparence au lieu d’imiter l’Idée.
• L’art éloigne de la vérité en retenant le regard dans le sensible, ce qui empêche la conversion vers le monde intelligible.
• Pour Platon, l’imitation ne demande pas de comprendre ce qu’on imite, contrairement à l’artisan qui connaît au moins des principes de fabrication.
• Platon assimile l’artiste aux sophistes : il parle/produit sans connaître le sujet, comme maître de l’illusion.

💡 Astuce mémo

Copie → apparence → prison : l’art imite l’apparence et retient dans la caverne.

📖 8. Hegel : l’art manifeste l’esprit

🔑 Notions clés & Définitions

• Création spirituelle : L’art est une production de l’esprit qui se réalise dans une œuvre plutôt qu’un simple effet de la nature.
• Mise en forme sensible : L’œuvre est un matériau sensible où s’incarne un contenu spirituel, l’esprit prenant forme dans des apparences.
• Apparence signifiante : L’apparence artistique n’est pas secondaire : elle constitue un moment essentiel de l’essence en rendant la vérité visible.
• Beau artistique : Le beau artistique est la manifestation sensible de l’Idée, donc il coïncide avec la vérité plutôt qu’avec le seul plaisir.
• Interpénétration forme et contenu : Dans l’œuvre, la forme et le contenu ne sont pas juxtaposés : ils s’interpénètrent pour former une totalité réconciliée.

📝 Points essentiels

• Hegel refuse l’idée que l’art imite la nature : l’art révèle l’esprit en faisant apparaître une vérité à travers des apparences.
• L’œuvre d’art est supérieure à la nature car elle résulte d’une activité spirituelle qui participe au vrai produit par l’esprit.
• L’apparence doit apparaître pour que l’essence ne reste pas abstraite : l’art rend donc l’essence concrète dans le sensible.
• Le beau artistique est idée : beauté et vérité sont une seule et même chose, et une œuvre sans contenu spirituel ne serait pas un art authentique.
• La beauté est l’équilibre parfait du sensible et de l’intelligible, avec une matière entièrement signifiante et un sens objectivé.
• L’art spiritualise la matière et matérialise l’esprit : il dénature le matériau naturel pour exprimer l’Idée, sans se réduire à l’imitation.

💡 Astuce mémo

Art = Esprit en forme : sensible transfigure l’idée (matière spiritualisée + esprit objectivé).

📖 9. Dévoilement du réel : apprendre à voir

🔑 Notions clés & Définitions

• Regard de l’artiste : Le regard de l’artiste est une manière de voir qui dépasse les mots et les usages pour atteindre les choses elles-mêmes.
• Rapport désintéressé aux choses : Le rapport désintéressé aux choses désigne une relation au monde qui n’est plus guidée par l’utilité ou le besoin.
• Contemplation : La contemplation est une attitude de réception attentive qui permet de retrouver la réalité profonde des objets et du monde.
• Jugement esthétique : Le jugement esthétique est l’appréciation de la beauté d’une œuvre, autrement dit le jugement de goût.
• Goût : Le goût est le terme utilisé pour désigner le jugement esthétique, lié à une appréciation à la fois sensible et plus intellectualisée.

📝 Points essentiels

• Le regard de l’artiste rompt avec l’usage utilitaire du langage et des signes conventionnels pour voir au-delà des mots.
• L’artiste lève le voile de l’utilité et du besoin entre nous et le monde en redonnant des « yeux neufs » au spectateur.
• L’art libère du familier : il fait apparaître des aspects de la réalité que les habitudes de perception laissent dans l’ombre.
• Un grand peintre impose une nouvelle vision qui devient ensuite celle de tous, comme Cézanne pour la montagne et la coupe de fruits.
• L’art transfigure la réalité : il ne copie pas la nature, mais spiritualise et constitue un monde en soi.
• Dans l’exemple de Van Gogh (souliers), l’œuvre fait voir la vie du paysan (labeur, fatigue, attentes) là où l’on ne voit d’abord que l’objet utile.

💡 Astuce mémo

Art = yeux neufs : utilité → voile levé → contemplation → réalité profonde.

📖 10. Objectivité du beau : le beau comme parfait

🔑 Notions clés & Définitions

• Goût esthétique : Le goût esthétique est la capacité à reconnaître ce qui, dans une œuvre, mérite d’être jugé beau.
• Beau objectif : Le beau objectif désigne l’idée que la beauté correspond à des qualités inhérentes à l’œuvre, reconnues par tous.
• Académisme esthétique : L’académisme esthétique est la tendance à définir et produire le beau par des règles et des canons imposés.
• Subjectivité du goût : La subjectivité du goût affirme que le beau dépend de la sensation propre du sujet qui éprouve le plaisir.
• Jugement de goût : Le jugement de goût est l’acte par lequel on dit qu’une œuvre est belle, en fonction de ce qu’on ressent.

📝 Points essentiels

• Dans l’objectivité du beau, goûter une œuvre revient à reconnaître ses qualités objectives et à la connaître telle qu’elle est.
• Cette conception peut mener au dogmatisme esthétique et à l’académisme, où l’art devient une forme d’artisanat soumis à des règles.
• La confusion entre artisans et artistes est critiquée : les spectateurs ne déterminent pas le beau, ce sont les artistes qui le font voir comme tel.
• En art, il n’existe pas de règles à appliquer pour produire la beauté ni de concept précis pour juger objectivement la beauté.
• Si le beau était seulement dans l’objet, il devrait être reconnu par tous, mais la diversité des expériences suggère que l’effet sur la sensibilité compte.
• La thèse moderne oppose l’objectivité : le beau est ce qui me plaît, donc il exprime une sensation individuelle (« à chacun ses goûts »).

💡 Astuce mémo

Objectif = dans l’œuvre ; Subjectif = dans le regard : beau = reconnaissance vs beau = plaisir.

📖 11. Subjectivité du goût : le beau me plaît

🔑 Notions clés & Définitions

• Subjectivité du goût : La subjectivité du goût désigne l’idée que l’appréciation esthétique dépend du sujet et de ses dispositions, ce qui rend l’accord incertain.
• Jugement de goût : Le jugement de goût est l’acte par lequel on affirme qu’une chose est belle, bon ou agréable, avec une prétention différente selon le type.
• Plaisir désintéressé : Le plaisir désintéressé est une satisfaction indépendante du désir de posséder ou de consommer l’objet.
• Plaisir contemplatif : Le plaisir contemplatif est une satisfaction liée à la seule représentation de l’objet, sans rapport à son existence.
• Universalité de droit : L’universalité de droit est l’exigence normative d’un accord d’autrui quand on juge qu’une chose est belle.

📝 Points essentiels

• Kant distingue trois satisfactions : l’agréable, le bon et le beau, qui procurent toutes un plaisir mais pas le même type de satisfaction.
• L’agréable est un plaisir sensuel lié à nos appétits et à l’existence de l’objet qui satisfait un désir ou un besoin.
• Le bon est une satisfaction morale liée à la moralité et à l’existence de l’objet approuvé par la raison.
• Le beau procure un plaisir désintéressé : il dépend de la représentation de l’objet, pas de son existence.
• Le plaisir esthétique est contemplatif : on perçoit sans consommer, et la destruction de l’objet n’empêche pas le plaisir esthétique.
• Le beau met en jeu à la fois sensibilité et réflexion : il mobilise imagination et intelligence, sans être réductible à un plaisir sensuel.

💡 Astuce mémo

Agréable/bon = “je veux l’objet” ; beau = “je contemple l’image” (désir vs représentation).

📖 12. Universalité du jugement de goût chez Kant

🔑 Notions clés & Définitions

• Jugement de goût : Jugement esthétique portant sur la beauté, qui exige l’adhésion d’autrui tout en reposant sur un sentiment.
• Universalité de droit : Exigence normative selon laquelle le jugement de goût doit valoir pour tout sujet, contrairement à l’agréable.
• Sens commun esthétique : Présupposé kantien d’une manière de sentir commune à tous, rendant possible l’accord attendu dans le jugement de goût.
• Libre jeu des facultés : Activité harmonieuse de l’imagination et de l’entendement, dont l’équilibre produit le plaisir esthétique.
• Universalité subjective : Prétention du jugement de goût à une satisfaction attribuée à tous, sans fondement conceptuel ni preuve objective.

📝 Points essentiels

• Le jugement de goût se distingue de l’agréable car il réclame une universalité de droit, pas seulement un accord de fait.
• Dire « c’est beau » revient à parler pour autrui et à exiger que les autres partagent la satisfaction éprouvée.
• La beauté relève d’un jugement visant l’objectivité, même si elle repose sur un sentiment de plaisir.
• Le jugement de goût prétend à l’universalité parce qu’il suppose un sens commun esthétique chez tous les hommes.
• Le plaisir esthétique naît du libre jeu harmonieux imagination–entendement, sans concept ni connaissance déterminée de l’objet.
• Le jugement de goût ne peut être fondé par des concepts : en art, on ne décide pas par preuves ni par critères définissables.

💡 Astuce mémo

Beau = plaisir universel sans concept : imagination joue, entendement pense, et l’accord est exigé.

📊 Tableaux de synthèse

Critères de distinction art / objet technique (selon le cours)

Aspect	Objet technique	Œuvre d’art
Finalité	Finalité externe : utilité	Finalité interne : beauté, contemplation
Fonction	Fonctionnel, doit “marcher”	Ne sert à rien, n’a pas de fonction
Statut des exemplaires	Standardisé, impersonnel	Unique, originale, singulière
Rapport au travail	Activité intéressée (subsistance)	Activité désintéressée (fin en soi)

Platon : degrés de copie et rapport à la vérité

Niveau	Modèle	Effet sur la vérité
Lit idéal	Idée éternelle du lit	Référence vraie
Lit sensible (artisan)	Copie du lit idéal	Déjà une copie
Lit peint (artiste)	Copie d’une copie : apparence d’apparence	Mauvaise mimesis : éloigne de la vérité, enferme dans le sensible

⚠️ Pièges & confusions fréquents

1. Confondre art et technique : le cours distingue l’art comme activité libre et désintéressée, non réductible à l’application de moyens techniques.
2. Croire que l’artiste “applique des règles” comme l’artisan : chez Alain, la règle n’est pas connue avant l’œuvre et devient intransmissible.
3. Penser que l’imprévu chez l’artiste signifie absence totale de règles : le cours dit au contraire que la règle reste prise dans l’œuvre.
4. Interpréter Platon comme rejetant toute imitation : il condamne la mauvaise mimesis (modèle sensible), mais admet une bonne imitation tournée vers l’intelligible.
5. Croire que la perspective est condamnée parce qu’elle est “technique” : chez Platon, elle est critiquée comme trompe-l’œil qui retient dans le sensible.
6. Opposer “beau objectif” et “beau subjectif” comme deux thèses simples : le cours montre l’objectivité comme risque d’académisme, puis l’universalité subjective chez Kant.
7. Croire que le jugement de goût est un jugement de connaissance : Kant insiste qu’il n’y a ni concept ni preuve, mais une prétention à l’universalité de droit.

✅ Checklist Examen

1. Définir art et technè, et expliquer l’origine commune (ars/technè) ainsi que les deux sens du mot art (technique vs création du beau).
2. Expliquer la différence art/activité artisanale : utilité/valeur d’usage, désintéressement/liberté, et l’opposition art libéral vs métier mercenaire (Kant).
3. Présenter la notion de règle technique et distinguer artisan/industrie vs artiste selon Alain : idée qui précède vs idée qui accompagne, règle créée dans l’acte.
4. Expliquer pourquoi la règle artistique est intransmissible et comment l’académisme et le maniérisme correspondent à l’application mécanique de règles hors contexte.
5. Définir talent vs génie (Alain/Kant) et donner les critères : inspiration, exemplarité, originalité, et “apparence de la nature”.
6. Exposer la critique de Nietzsche : pas de différence de nature artiste/savant, travail rigoureux, monomanie, et “inexplicable ≠ miraculeux”.
7. Expliquer le mythe du génie et ses trois raisons (plaisir esthétique, suppression de l’envie par admiration, effacement du travail derrière l’œuvre finie).
8. Décrire la destruction contemporaine de l’œuvre : place de la laideur/banalité, brouillage art/technique, et la remise en cause de l’originalité et du statut d’œuvre.
9. Expliquer le ready-made (Duchamp) et le rôle de l’intention + de la théorie + du contexte (Danto/boîtes de Brillo) dans l’entrée “dans le monde de l’art”.
10. Exposer l’art comme imitation de la nature : mimesis, Renaissance, perspective (point de fuite, diminution), et “fenêtre ouverte sur le monde” (Alberti).
11. Présenter la critique platonicienne : caverne, monde sensible/intelligible, lit idéal/copie/copie d’une copie, mauvaise mimesis et éloignement de la vérité.
12. Présenter la thèse hégélienne : l’art ne copie pas la nature, il manifeste l’esprit ; apparence signifiante, interpénétration forme/contenu, beauté = vérité.
13. Expliquer “apprendre à voir” : regard désintéressé, contemplation, yeux neufs, et l’exemple des souliers (Van Gogh/Heidegger).
14. Exposer l’objectivité du beau : beau comme parfait, risque d’académisme, et pourquoi il n’y a pas de règles/concepts pour produire ou juger la beauté (selon le cours).