Hoja de repaso: L'évolution du costume théâtral

📋 Plan du Cours

1. Spécificités du costume de scène
2. Patrimoine textile et conservation des costumes
3. Origines et rôle symbolique du costume
4. Costume sur scène vide et codification
5. Évolutions historiques du costume théâtral
6. Théâtre oriental et langage des costumes
7. Avant-gardes et corps transformé par le costume
8. Brecht et Barthes : lisibilité et maladies du costume
9. Théâtre du Soleil : matières et costume-acteur

📖 1. Spécificités du costume de scène

🔑 Notions clés & Définitions

• Costume de scène : Costume conçu pour être perçu à distance sur scène, avec une lecture visuelle adaptée au théâtre plutôt qu’au gros plan.
• Analyse scénographique : Analyse qui relie le costume aux éléments de mise en scène comme le décor et la lumière, notamment via l’effet des couleurs.
• Analyse sémantique du costume : Analyse qui cherche le sens produit par le costume en distinguant informations dénotatives et connotatives.
• Analyse fonctionnelle du costume : Analyse qui vérifie si le costume convient au corps du comédien et remplit correctement ses contraintes de jeu.
• Analyse sociologique du costume : Analyse qui lit dans le costume des indices d’identité du personnage, de classe sociale, de mode et de contexte spatio-temporel.

📝 Points essentiels

• Le costume de scène nécessite moins de détails que le cinéma car il est destiné à être vu de loin.
• Le costume de scène peut s’analyser historiquement pour éclairer l’histoire de la pièce et l’histoire du costume.
• Une analyse technique étudie la fabrication des matières et leurs évolutions selon les modes, ainsi que les structures de dessous liées à l’histoire vestimentaire.
• Une analyse poétique met l’accent sur la charge motive et émotive du costume.
• Une analyse fonctionnelle examine l’adaptation du costume au corps du comédien.
• En France, la conservation du textile a été limitée car l’éphémère se détériore avec le temps et l’étoffe a longtemps été jugée moins noble.

💡 Astuce mémo

Scène = LOIN + SENS + CORPS : à distance, on lit le sens, puis on vérifie l’adaptation au jeu.

📖 2. Patrimoine textile et conservation des costumes

🔑 Notions clés & Définitions

• Costumes du Nô : Costumes du théâtre Nô japonais, associés à un rituel scénique et à un hommage à l’excellence du tissage.
• Costumes de cour : Costumes d’apparat de cour, conçus pour des parades et dont l’intérêt disparaissait une fois la fonction accomplie.
• Musée Arlaten : Musée fondé à Arles par Frédéric Mistral, lié à la conservation et à la mise en valeur des costumes.
• Société de l’histoire de costume : Société créée en 1907 par Maurice Leloir pour rassembler une collection de costumes de scène.
• Centre national du costume de scène : Lieu de représentation dédié au costume de théâtre, situé à Moulins pour le costume de scène.

📝 Points essentiels

• Le théâtre Nô japonais accorde une grande importance aux costumes anciens, perçus comme porteurs d’un rituel presque magique.
• Les costumes de cour en France n’ont pas été conservés car ils servaient surtout aux parades puis perdaient leur intérêt après usage.
• La meilleure conservation à l’étranger s’explique par le coût plus élevé des étoffes, tandis qu’en France la culture du tissage rendait les tissus moins chers.
• En Turquie, on peut encore trouver environ 1500 pièces de costumes des sultans.
• En France, depuis le XIXe siècle, l’Opéra national et la Comédie-Française entreprennent le sauvetage de costumes précieux.
• Frédéric Mistral fonde le musée Arlaten à Arles, et George Henri Rivière crée le musée des arts et traditions populaires (1972-2005) devenu musée du Folklore à Marseille.

💡 Astuce mémo

Nô = rituel du tissage ; Cour = parade puis oubli ; Étoffe chère = survie.

📖 3. Origines et rôle symbolique du costume

🔑 Notions clés & Définitions

• Costume accessoire de jeu : Accessoire de scène qui ne sert pas seulement à habiller, mais qui participe à l’action et peut même devenir un partenaire du jeu.
• Théâtre antique : Forme théâtrale née dans les premières civilisations et atteignant un apogée à Athènes au Ve siècle av. n.è.
• Codification des costumes : Système de règles qui fixe costumes et masques pour rendre les personnages immédiatement lisibles par le public.
• Cothurnes : Chaussures portées par les acteurs, associées aux longues robes flottantes dans certaines formes de jeu scénique.
• Ballet de la nuit : Ballet créé par Louis XIV, dont le motif du soleil structure le costume et l’allégorie du pouvoir.

📝 Points essentiels

• Sur une scène vide, le fait d’être vêtu signale une rupture vers l’imaginaire et déclenche l’entrée dans le jeu.
• Les images d’acteur en costume sont décrites comme une première mémoire du théâtre.
• Une fresque d’Herculanum montre des masques, permettant de comprendre plusieurs façons de jouer avec le visage.
• La symbolique des formes et des couleurs sert à identifier rapidement les personnages.
• Le jeu des acteurs est présenté comme un répertoire de scènes cataloguées.
• Pour la comédie, on mentionne environ 40 masques, et pour la tragédie environ 20 masques.

💡 Astuce mémo

Costume = clé d’accès à l’imaginaire : scène vide + vêtement = théâtre qui démarre.

📖 4. Costume sur scène vide et codification

🔑 Notions clés & Définitions

• Rose Bertin : Styliste associée à la royauté, connue pour créer des robes et travailler pour les milieux aristocratiques.
• Paniers à coudes : Accessoire de mode qui donne du volume au vêtement et marque une silhouette très codifiée à la cour.
• François-Joseph Talma : Comédien qui réforme la manière de jouer la tragédie en modifiant le rapport au costume et à la déclamation.
• Style Empire : Tendance vestimentaire liée à Napoléon, caractérisée par l’abandon du corset et une coupe plus drapée.
• Sarah Bernhardt : Actrice surnommée la « divine », figure majeure qui impose un anti-fashion flamboyant et très personnel.

📝 Points essentiels

• En 1770, Antoinette développe fortement les paniers à coudes et son costume fonctionne comme une « micro-scène » à montrer devant la cour.
• Le costume d’Antoinette associe coiffure haute, cheveux gris à la mode (rares), perruque et bonnet à plumes d’autruches.
• Talma reprend la toge originelle dans le rôle de Titus (Brutus de Voltaire) et choque en jouant avec bras et jambes nus.
• Talma apparaît sans perruque et bouscule les codes tragiques en évitant la déclamation, ce qui ouvre une nouvelle forme de tragédie.
• Napoléon impose le style Empire : corset et paniers sont abandonnés, et les vêtements drapent le corps plutôt que de le mouler.
• Le style Empire est aussi lié à l’idée que le corset gênerait la grossesse, d’où une volonté de favoriser les naissances de futurs soldats et l’usage de foulards à motifs orientaux venant des conquêtes.

💡 Astuce mémo

Bertin = « cour » (paniers, plumes) ; Talma = « nu » (sans perruque) ; Empire = « drapé » (sans corset) ; Bernhardt = « anti-fashion » (flamboyant).

📖 5. Évolutions historiques du costume théâtral

🔑 Notions clés & Définitions

• Sarah Bernhardt : Actrice associée à une direction de théâtre qui a conduit à renommer un théâtre en son nom.
• Théâtre élisabéthain : Forme de théâtre où le costume et le texte portent l’information, sur une scène volontairement peu décorée.
• Costume zéro : Principe de costume neutre présenté comme inexistant dans la pratique shakespearienne.
• Théâtre de Sarah Bernhardt : Nom donné à un théâtre dirigé par la ville, associé à l’image de la « vraie parisienne ».
• Théâtre oriental : Forme théâtrale où le costume reste immuable et structure fortement la représentation.

📝 Points essentiels

• La direction du théâtre de la Renaissance renomme le lieu « théâtre de Sarah Bernhardt ».
• Dans le théâtre élisabéthain, la scène est quasi vide et les informations passent soit par le discours, soit par l’extravagance des costumes.
• Le texte sert à renseigner l’espace, le temps et l’état social des personnages, tandis que le costume peut compenser l’absence de décors.
• Shakespeare, metteur en scène « avant la lettre », accepte l’anachronisme et refuse l’idée d’un costume neutre « zéro ».
• Antoine Vitez décrit des costumes d’« éternité » qui finissent par basculer vers un style historique, souvent proche de la mode contemporaine puis obsolète.
• Les costumes shakespearien sont portés par des générations de comédiens et deviennent un dispositif clé sur scène nue, sans proscenium ni perspective, pour produire l’illusion.

💡 Astuce mémo

Scène vide = costume + texte : élisabéthain, puis Shakespeare joue l’anachronisme ; Vitez : éternité → style historique → mode qui vieillit.

📖 6. Théâtre oriental et langage des costumes

🔑 Notions clés & Définitions

• Langage des costumes : Système de signes scéniques où l’habillement, les couleurs et les gestes permettent au public de lire le statut et la théâtralité du personnage.
• Commedia dell’arte : Courant occidental où le costume et le jeu du comédien structurent une écriture corporelle fondée sur le masque et la jubilation du corps.
• Jeu du masque : Technique de jeu où le regard et la partie basse du masque portent l’essentiel de l’expression, en dialogue avec le costume.
• Biomécanique : Approche de jeu centrée sur l’unité corps–costume–décor, pensée comme un ensemble cohérent plutôt que comme des éléments séparés.
• Costume invisible : Idée selon laquelle le costume devient une seconde peau intégrée au corps, au point de sembler disparaître dans l’action.

📝 Points essentiels

• Sur scène vide, le costume signale la nature et la moralité du personnage, comme si l’acteur n’avait plus qu’à « écrire » son art sur l’espace nu.
• Le public « déchiffre » les gestes et les couleurs comme un alphabet, ce qui transforme l’habillement en langage lisible.
• Le langage du costume est présenté comme répétitif et relativement stable dans une tradition, même quand la scène évolue.
• En Occident, la comedia dell’arte fonctionne en parallèle : expansion du corps par le costume et mise en place d’un langage corporel lié au masque.
• Le jeu du masque mobilise surtout le regard et la partie basse du masque pour faire vivre l’expression, et ce principe reste enseigné et utilisé au XXe siècle.
• Meyerhold (1874-1940) cherche dans les années 1920 une unité entre costume et corps, avec des liens plastiques entre décor et comédiens dans une logique constructiviste/futuriste et inspirée du théâtre japonais et de la

💡 Astuce mémo

Costume = alphabet : gestes + couleurs = statut ; masque = regard + bas du masque ; Meyerhold = corps + décor = « seconde peau ».

📖 7. Avant-gardes et corps transformé par le costume

🔑 Notions clés & Définitions

• Léon Bakst : Peintre et costumier dont les costumes privilégient l’ondulation du corps et des motifs populaires, avec de nombreuses couleurs et influences orientalisantes et symbolistes.
• Paul Poirier : Costumier inspiré par Bakst, réputé pour créer une “femme des Mille et une nuits” fictive en modifiant la silhouette via pantalons et suppression du corset.
• Ballets russes de Diaghilev : Dispositif artistique où Diaghilev fait entrer de nouveaux artistes et installe une avant-garde qui influence fortement la mode et la scénographie.
• Costumes de Picasso (Parade, 1917) : Costumes conçus pour Parade qui imposent un modèle d’homme abstrait et d’homme-machine, en traitant le costume comme un dispositif coercitif.
• Ballets triadiques de Schlemmer : Proposition de 1922 où le corps est soumis à un prototype technologique, l’objet-costume devenant l’acteur principal du mouvement contraint.

📝 Points essentiels

• Bakst privilégie l’ondulation du corps et des figures séduisantes, avec motifs populaires et couleurs issues d’influences orientalisantes et symbolistes.
• Bakst influence la mode parisienne, et Paul Poirier s’en inspire pour créer une femme fictive “des Mille et une nuits”.
• Poirier fait porter des pantalons et enlève le corset, libérant le haut du corps tout en entravant la démarche par le bas.
• Bakst crée les costumes pour L’après-midi d’un faune, en tant que graphiste et costumier à forte “patte” artistique.
• Diaghilev introduit progressivement de nouveaux artistes dans les ballets russes, ce qui installe une avant-garde et ouvre la voie à des peintres comme Picasso.
• Parade (1917) associe scénographie et costumes de Picasso, imposant un modèle d’homme abstrait et d’homme-machine via des costumes coercitifs et détachés du corps de l’acteur.

💡 Astuce mémo

Libération en haut / entrave en bas : Poirier = pantalons + corset supprimé, donc “haut libre, bas freiné”.

📖 8. Brecht et Barthes : lisibilité et maladies du costume

🔑 Notions clés & Définitions

• Bertolt Brecht : Auteur associé à une approche du costume centrée sur la netteté, la matière et l’élimination des éléments parasites.
• Roland Barthes : Critique qui analyse le costume comme un système de signes, avec des risques de brouillage de la lisibilité.
• Maladies du costume : Idée barthésienne selon laquelle certains costumes de scène se dégradent en “maladies” qui empêchent la compréhension globale.
• Mère Courage : Pièce montée en 1957 par le Berliner Ensemble, utilisée comme exemple de costume qui “parle” le temps.
• Théâtre du Soleil : Compagnie liée à une recherche scénique où le costume est pensé comme fonction théâtrale.

📝 Points essentiels

• Brecht privilégie l’absence de parasite, la netteté de la ligne et les vertus sensorielles de la matière.
• Pour Barthes, le costume résulte de la mise en scène du vêtement, pas seulement du vêtement lui-même.
• Barthes vise un équilibre entre le dit et le non-dit, entre le formulé et le non-formulé.
• Barthes dit que le costume “pèche” soit par effacement face au réel, soit par abus de clarté.
• Brecht assigne au costume un rôle surtout intellectuel, davantage que plastique ou émotionnel.
• Après Brecht et Barthes, les scénographes cherchent une tension entre dévoilé/caché et lisible/secret, jouant sur le manque et l’excès.

💡 Astuce mémo

Brecht = “net et sans parasite” ; Barthes = “signes lisibles, pas de maladies”.

📖 9. Théâtre du Soleil : matières et costume-acteur

🔑 Notions clés & Définitions

• Théâtre du Soleil : Ensemble de création d’Ariane Mnouchkine où le costume et la matière servent la fonction théâtrale plutôt qu’un simple reflet historique.
• Ariane Mnouchkine : Metteuse en scène qui conçoit le costume comme outil de jeu, en s’appuyant sur des matières et des influences multiples pour construire la scène.
• Barthes : Théoricien mobilisé ici pour l’idée d’un costume capable de signifier sans devenir un parasite, grâce à une lisibilité nouvelle.
• George Banu : Auteur cité pour relier la “résurrection” du costume à des formes mineures, à la vie revenue et au micro-langage.
• Cartoucherie de Vincennes : Lieu associé à la pratique scénique où l’habillage et le maquillage sont visibles juste avant l’entrée en scène.

📝 Points essentiels

• Barthes valorise un costume qui reste assez matériel pour signifier et assez transparent pour éviter que les signes parasitent le jeu.
• Les pièces de Brecht sont présentées comme un exemple de ce qu’on peut faire de mieux avec le costume de scène.
• Mnouchkine vise un costume comme fonction théâtrale, fondée sur l’expérience des matières, pas comme simple reproduction d’une époque.
• Depuis environ 40 ans, les scénographes cherchent la “vérité des matières” en récupérant tissus et vêtements anciens, parfois portés par de vraies personnes.
• Le public est décrit comme décor : les scènes se jouent sur les tréteaux, ce qui transforme la place du spectateur.
• Les costumes de Mnouchkine sont stockés en grands volumes et choisis avec la costumière pour être manipulés pendant des essais d’improvisation par les acteurs.

💡 Astuce mémo

Matière d’abord, signe sans parasite : Mnouchkine = costume qui joue (et se voit) avant d’être seulement “d’époque”.

📅 Repères chronologiques

Date	Événement
1907	Création de la Société de l’histoire de costume par Maurice Leloir
1667	Andromaque de Racine : exemple de mélange de périodes (robe d’Hermione inspirée d’une robe de Marie Antoinette)
1770	Antoinette développe fortement les paniers à coudes (costume micro-scène devant la cour)

📊 Tableaux de synthèse

Analyses du costume de scène

Type d’analyse	Ce qu’elle étudie	Objectif
Historique	Particularités de l’histoire de la pièce et du costume	Relier costume et contexte historique
Technique	Fabrication des matières, évolutions selon les modes, structures de dessous	Comprendre la fabrication et ses liens avec l’histoire vestimentaire
Scénographique	Décor et lumière, impact des couleurs	Relier costume à la mise en scène
Sémantique	Sens produit : informations dénotatives et connotatives ; formes, couleurs, matières, volumes, lignes	Lire le sens du costume
Poétique	Charge motive et émotive	Mettre en valeur l’effet sensible
Fonctionnelle	Adaptation au corps du comédien	Vérifier la compatibilité avec le jeu
Sociologique	Identité du personnage, classe sociale, mode, saison, géographie	Lire les indices sociaux et spatio-temporels

⚠️ Pièges & confusions fréquents

1. Confondre costume de scène et costume de cinéma : le premier doit être lisible de loin et demande moins de détails.
2. Croire que l’analyse sémantique ne porte que sur le vêtement : elle distingue aussi dénotatif/connotatif et lit formes/couleurs/volumes.
3. Penser que la conservation dépend seulement de la volonté : en France, l’éphémère textile se détériore et l’étoffe n’est pas jugée “art noble”.
4. Inverser les logiques : en France les costumes de cour ne sont pas conservés car ils servent aux parades puis perdent intérêt, alors que d’autres pays conservent mieux (coût des étoffes).
5. Mélanger “costume zéro” et costume neutre : le cours dit que le costume neutre n’existe pas dans la pratique shakespearienne.
6. Réduire le “langage des costumes” à un décor : c’est un système de signes (gestes/couleurs/statut) que le public déchiffre.
7. Confondre Brecht et Barthes : Brecht vise netteté/absence de parasite et rôle intellectuel, tandis que Barthes critique les “maladies” et l’équilibre dit/non-dit.

✅ Checklist Examen

1. Expliquer pourquoi le costume de scène a besoin de moins de détails que le cinéma et comment la distance de jeu change la lecture.
2. Définir et distinguer analyse scénographique, sémantique, poétique, fonctionnelle et sociologique du costume.
3. Citer les critères sociologiques donnés par le costume : identité du personnage, classe sociale, mode, saison et géographie.
4. Expliquer les raisons françaises de la faible conservation du textile (détérioration, éphémère, statut “non noble” de l’étoffe).
5. Donner l’exemple du Japon : importance des costumes du théâtre Nô, rituel presque magique et hommage à l’excellence du tissage.
6. Expliquer pourquoi les costumes de cour en France ne sont pas conservés (parades puis perte d’intérêt) et pourquoi ailleurs ils survivent mieux (coût des étoffes).
7. Rappeler au moins trois repères patrimoniaux : Opéra national/Comédie-Française (sauvetage depuis le XIXe), musée Arlaten (Frédéric Mistral), et société de l’histoire de costume (1907).
8. Décrire le rôle symbolique du costume sur scène vide : rupture vers l’imaginaire, première mémoire du théâtre, et codification (formes/couleurs/masques).
9. Expliquer la codification du théâtre antique et les repères de masques (ordre de grandeur : comédie ~40, tragédie ~20) ainsi que l’usage des cothurnes et robes flottantes.
10. Présenter les exemples de “scène vide” et codification : Louis XIV et le ballet loyal de la nuit (motif du soleil), puis Andromaque (1667) et le rôle de Rose Bertin.
11. Expliquer les changements avec François-Joseph Talma : toge originelle, bras/jambes nus, absence de perruque, et modification de la déclamation.
12. Décrire le style Empire : abandon du corset et des paniers, drapé du corps, logique liée aux grossesses et foulards à motifs orientaux.
13. Présenter Sarah Bernhardt : anti-fashion, principes de sa garde-robe (plumes d’autruches, traîne, manches longues sur la main) et son rôle de direction du théâtre de la Renaissance.
14. Expliquer le théâtre élisabéthain : scène quasi vide, informations par discours ou extravagance des costumes, et refus du “costume zéro” (neutre). Puis résumer la thèse d’Antoine Vitez sur les costumes d’éternité (utopie