Registre moteur
TD 1 : disponibilité motrice, terme générique pour caractériser la connaissance et l’optimisation de ses possibilités gestuelles en termes de coordination, d’amplitude articulaire, d’enchaînement. Son objectif est de rendre le corps disponible pour servir le projet artistique, en constituant une boîte à outils corporelle, un schéma corporel et une connaissance de soi.
Disponibilité motrice
La capacité du corps à mobiliser et à utiliser ses différentes parties de manière efficace et adaptée pour l’exécution du mouvement, en fonction des exigences artistiques.
Schéma corporel
La représentation mentale du corps, permettant au danseur de connaître et de contrôler ses parties corporelles dans l’espace et dans le mouvement, facilitant ainsi la coordination et la précision gestuelle.
Centre moteur
La partie du corps qui initie le mouvement, avec une résonance dans le reste du corps, jouant un rôle clé dans la coordination et la fluidité du geste.
Mobilisation du dos
La capacité à mobiliser le dos dans ses différentes positions : dos plat, courbes vers l’avant ou l’arrière, inclinaisons latérales, torsions. Elle concerne la distinction entre dos plat et dos rond, essentielle pour la dynamique du mouvement.
Le registre moteur désigne la connaissance et l’optimisation des possibilités gestuelles du danseur, notamment en termes de coordination, d’amplitude articulaire et d’enchaînement. Son but principal est de rendre le corps le plus disponible possible pour servir le projet artistique, en constituant une véritable boîte à outils corporelle. Parmi les habiletés spécifiques, on trouve l’isolation (mouvement partiel d’une partie du corps), l’association (mouvements simultanés de plusieurs parties dans un même registre), et la dissociation (mouvements de parties différentes dans des registres distincts). Le centre moteur est la partie du corps qui initie le mouvement, tandis que la mobilisation du dos concerne la capacité à mobiliser la colonne vertébrale dans ses différentes positions, notamment en dos plat ou rond, avec inclinaisons ou torsions. La maîtrise des contacts, sauts, tours, équilibre et déplacements constitue également une partie intégrante du registre moteur, permettant une exécution fluide et expressive des mouvements.
Le registre moteur constitue la base technique essentielle permettant au danseur d’exploiter pleinement son corps pour une interprétation artistique optimale, en développant une connaissance précise de ses possibilités gestuelles et en rendant son corps disponible et adaptable.
Isolation
AUTEUR (date) : Mobilisation partielle du corps, consistant à faire bouger une seule partie ou un groupe de parties sans entraîner le reste du corps.
Association
AUTEUR (date) : Mouvement combiné de plusieurs parties du corps qui bougent simultanément pour réaliser une action cohérente.
Dissociation
AUTEUR (date) : Contrôle indépendant de différentes parties du corps, permettant de faire bouger une partie sans que les autres ne suivent.
Saut (types et phases)
AUTEUR (date) : Mouvement impliquant une impulsion, une suspension et une réception, avec différentes combinaisons d’appuis au sol.
Tour
AUTEUR (date) : Mouvement giratoire autour d’un axe, pouvant varier en nombre de tours, vitesse, direction, et en tonicité du corps.
Équilibre/déséquilibre
AUTEUR (date) : État où le corps est stable lorsque la ligne gravitaire se situe au-dessus de la surface d’appuis ; déséquilibre correspond à une perte de cette stabilité.
Les habiletés motrices spécifiques incluent des mouvements partiels tels que l’isolation, l’association et la dissociation, qui permettent de contrôler précisément différentes parties du corps. Les mouvements globaux regroupent le saut, le tour et l’équilibre.
Ces habiletés sont fondamentales pour la maîtrise des mouvements complexes en danse, permettant d’articuler la précision, la fluidité et l’expression corporelle.
Les habiletés motrices spécifiques, qu’elles soient partielles ou globales, constituent le socle essentiel pour maîtriser la diversité des mouvements en danse, en intégrant contrôle, précision et expressivité dans chaque geste.
Jeu d’acteur (mentir vrai)
Le jeu d’acteur en danse repose sur le « mentir vrai », où le danseur incarne une émotion ou un personnage avec authenticité. Il s’agit de faire croire à l’auditoire à la sincérité de l’émotion ou de la narration, tout en étant conscient que cette expression est une construction artistique.
Corps expressif
Le corps expressif désigne l’utilisation du corps comme vecteur principal d’émotion et de communication. Il transmet des sentiments, des intentions et des histoires à travers les gestes, la posture, et la dynamique corporelle, renforçant ainsi l’interprétation.
Utilisation du regard
Le regard est un outil expressif essentiel, permettant de renforcer ou de nuancer l’émotion. Il peut diriger l’attention, exprimer des intentions ou créer une connexion avec le public ou les partenaires.
Le jeu d’acteur en danse repose sur le « mentir vrai », où le danseur doit incarner une émotion ou un personnage avec une sincérité apparente. La maîtrise de cette authenticité permet de transmettre des sentiments profonds et de captiver l’auditoire. Le corps expressif joue un rôle central en utilisant des gestes, des postures et des mouvements pour exprimer ce qui ne peut pas toujours être dit verbalement. L’utilisation du regard est également cruciale : ses variables incluent la durée, la direction, la mobilité, et l’ouverture des yeux. Ces éléments renforcent l’interprétation en orientant l’attention, en exprimant des états d’esprit ou en créant une dynamique avec le partenaire ou le public.
Le jeu d’acteur en danse, basé sur le « mentir vrai », est un vecteur d’émotion et de communication non verbale, amplifié par une maîtrise précise du regard et du corps expressif.
Processus relationnels
Les processus relationnels désignent les différentes manières dont les danseurs interagissent et structurent leur relation dans la chorégraphie, à travers des procédés comme l’unisson, le canon, la cascade, le dialogue ou le miroir. Ces processus organisent la dynamique collective et individuelle dans la performance.
Unisson
L’unisson consiste en un mouvement identique avec un départ différé entre les interprètes ou groupes d’interprètes. Il crée une unité visuelle et sonore, renforçant la cohésion du groupe.
Canon
Le canon est un mouvement identique répété avec un départ différé entre les danseurs ou groupes, permettant une progression rythmée et hiérarchisée dans la chorégraphie.
Cascade
La cascade correspond à un geste ou mouvement court avec un départ différé, générant un effet de succession ou de flux entre les danseurs, souvent utilisé pour créer des effets de continuité ou de transition.
Dialogue corporel
Le dialogue corporel désigne une alternance ou une discussion physique entre danseurs, impliquant échange, réactivité et interaction dynamique pour nourrir la relation artistique.
Contact (réel et imaginaire)
Le contact est un mouvement qui se réalise avec un appui physique ou imaginaire entre un ou plusieurs danseurs. Il engage une relation physique ou symbolique, essentielle dans la danse contact, qu’elle soit réelle (portés, appuis) ou imaginaire (contacts imaginés ou symboliques).
Les relations entre danseurs s’organisent selon des processus comme l’unisson, le canon, la cascade, le dialogue et le miroir, qui structurent la chorégraphie. Ces procédés permettent d’établir des dynamiques variées, allant de l’harmonie collective à la différenciation individuelle. Le contact, qu’il soit réel ou imaginaire, est un élément clé qui engage physiquement ou symboliquement les danseurs entre eux, renforçant ou modulant leur interaction. Le contact réel peut inclure des portés ou des appuis physiques, tandis que le contact imaginaire évoque une relation symbolique ou perceptuelle, essentielle dans la danse contact.
Les interactions entre danseurs, structurées par des processus comme l’unisson, le canon ou le dialogue, ainsi que par le contact réel ou imaginaire, constituent des procédés chorégraphiques fondamentaux pour enrichir le propos artistique collectif.
Énergie personnelle
L’énergie que le danseur mobilise en lui-même pour produire un mouvement. Elle dépend de la force, de la tension et de la concentration intérieure.
Énergie à développer
L’énergie qui peut être accentuée ou amplifiée dans le mouvement, permettant d’intensifier l’expression et la dynamique de la danse.
Poids de l’énergie
La perception de la force ou de la légèreté dans un mouvement, influençant la sensation de lourdeur ou de légèreté que transmet le danseur.
Temps de l’énergie
La durée ou la soudaineté avec laquelle l’énergie est déployée : énergie soudaine ou maintenue. Elle détermine la rapidité ou la lenteur de l’impact.
Espace de l’énergie
L’étendue ou la direction dans laquelle l’énergie se manifeste : énergie directe ou indirecte, occupant tout ou partie de l’espace.
Thermes de R. Brandt (swing, rebond, continuité, impact, impulse)
Classification pour caractériser l’énergie :
L’énergie en danse colore le mouvement par des variations de force, durée et direction, influençant ainsi l’intensité et la qualité de l’interprétation. Rudolf Laban et R. Brandt proposent des classifications précises pour caractériser cette énergie, permettant une analyse fine des dynamiques corporelles. La variation de l’énergie, qu’elle soit en termes de puissance ou de temporalité, donne vie et expressivité au mouvement chorégraphique, rendant chaque performance unique et vivante.
L’énergie en danse est la dimension dynamique essentielle qui insuffle vie et expressivité au mouvement, en modulant force, durée et direction selon les intentions et les contextes.
Espace scénique
L’espace scénique est le milieu visible et structuré dans lequel évoluent les danseurs. Il comprend des zones telles que l’avant-scène, le fond de scène, le côté jardin et le côté cour, qui délimitent l’environnement de la performance. (Source)
Kinésphère
La kinésphère désigne l’espace proche accessible par extension des membres sans déplacement. Elle constitue un espace vital pour la spatialisation du mouvement, permettant aux danseurs d’interagir avec leur environnement immédiat. (Source)
Orientation
L’orientation concerne la direction dans laquelle un danseur regarde ou se déplace, notamment par rapport à des points fixes ou à d’autres éléments de la scène. Elle peut varier selon la position du corps (dos, profil, face) ou par rapport à la scène (avant, arrière). (Source)
Niveaux (vertical, horizontal)
Les niveaux font référence à la dimension verticale ou horizontale de l’espace scénique. Verticalement, cela inclut des déplacements ou positions en haut ou en bas (ex : sauts, pliés), horizontalement, la position ou le déplacement d’un point à un autre dans le plan de la scène. (Source)
Parcours et trajets
Les parcours et trajets désignent les trajectoires empruntées par les danseurs dans l’espace scénique, telles que les mouvements en zigzag, en ligne droite, ou en rotation. Ces trajets peuvent être combinés pour enrichir la dynamique de la performance. (Source)
Relationnel (objets, décor, danseurs)
Le relationnel concerne l’interaction entre les danseurs, les objets, le décor et autres éléments scéniques. Il s’agit de la manière dont ces éléments communiquent ou dialoguent dans l’espace, créant une dynamique relationnelle. (Source)
L’espace scénique constitue le cadre visible et structuré où évoluent les danseurs, intégrant des zones spécifiques comme avant-scène, fond de scène, côté jardin et cour. Il sert de support aux déplacements, orientations et interactions. La kinésphère désigne l’espace proche accessible par extension des membres, sans déplacement, essentiel pour la spatialisation du mouvement. La compréhension de l’espace scénique implique aussi l’analyse des orientations (direction du regard ou du déplacement), des niveaux (vertical/horizontal), et des parcours (trajectoires variées). Enfin, le relationnel se construit à travers l’interaction entre objets, décor et danseurs, participant à la narration ou à la dynamique de la pièce.
L’espace scénique est un cadre dynamique où s’organisent les déplacements, orientations et interactions spatiales des danseurs, permettant de structurer la narration et l’expression artistique. La kinésphère joue un rôle clé dans la spatialisation du mouvement et la relation avec l’environnement immédiat.
Espace symbolique : L’espace symbolique renvoie aux significations et symboles véhiculés par le décor, la scénographie, la musique et les mouvements. Il constitue un vecteur de sens, permettant d’interpréter la scène comme un tout chargé de symboles et de messages implicites.
Espace occupé (intérieur, proche, lointain) : L’espace occupé désigne la zone que le corps occupe ou traverse lors de la performance. Il se décompose en trois niveaux : l’intérieur (ressenti personnel), le proche (kinésphère, espace immédiat autour du corps) et le lointain (zones de déplacement). Ces niveaux structurent la perception du mouvement et son intention.
L’espace symbolique renvoie aux significations et symboles véhiculés par divers éléments tels que le décor, la scénographie, la musique et les mouvements. Il permet d’interpréter la scène comme un vecteur de sens où chaque élément participe à une lecture symbolique globale. La scène peut contenir des éléments combinés, ronds, linéaires ou à niveaux variés, qui véhiculent des sens spécifiques selon leur disposition et leur contexte.
L’espace occupé se décline en plusieurs dimensions : l’intérieur, qui correspond au ressenti personnel du danseur ou du spectateur ; le proche, aussi appelé kinésphère, qui concerne l’espace immédiat autour du corps ; et le lointain, qui inclut les zones de déplacement et d’interaction avec l’environnement. Ces niveaux structurent la perception du mouvement et orientent l’intention du danseur dans l’espace.
L’espace, comme vecteur de sens, permet au corps d’occuper et de transformer des zones chargées symboliquement et émotionnellement, renforçant ainsi la dimension expressive de la performance.
| Thème | Notions clés | Définition / Points importants | Auteur / Référence |
|---|---|---|---|
| Registre moteur | Disponibilité motrice | Capacité à mobiliser efficacement ses parties du corps pour le projet artistique | — |
| Schéma corporel | Représentation mentale du corps permettant coordination et contrôle | — | |
| Centre moteur | Partie du corps qui initie le mouvement, essentielle pour la fluidité | — | |
| Mobilisation du dos | Capacité à mobiliser la colonne vertébrale (dos plat/rond, inclinaisons, torsions) | — | |
| Habiletés motrices spécifiques | Isolation | Mouvement partiel d’une partie du corps sans entraîner le reste | — |
| Association | Mouvement simultané de plusieurs parties pour une action cohérente | — | |
| Dissociation | Contrôle indépendant de différentes parties du corps | — | |
| Saut (impulsion, suspension, réception) | Phases clés du saut avec variations possibles (direction, vitesse) | — | |
| Tour | Mouvement giratoire autour d’un axe, avec variations (nombre, vitesse, tonicité) | — | |
| Équilibre/déséquilibre | Stabilité ou perte de stabilité en fonction de la position par rapport à la ligne gravitaire | — | |
| Jeu d’acteur et expressivité | Mentir vrai | Incarnation sincère d’une émotion ou personnage, malgré la construction artistique | — |
| Corps expressif | Utilisation du corps pour transmettre émotions et intentions | — | |
| Utilisation du regard | Outil pour renforcer ou nuancer l’émotion, diriger l’attention | — | |
| Relations entre danseurs | Processus relationnels (unisson, canon, dialogue) | Moyens d’interaction et de structuration dans la chorégraphie pour cohésion ou hiérarchie | — |
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1. Qu’est-ce que le registre moteur en danse ?
2. En quoi l'isolation et la dissociation diffèrent-elles ou se ressemblent-elles dans le contexte des habiletés motrices spécifiques en danse ?
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Registre moteur — définition ?
Disponibilité motrice et optimisation gestuelle du corps.
Disponibilité motrice — rôle ?
Mobiliser efficacement ses parties pour le mouvement.
Schéma corporel — localisation ?
Représentation mentale du corps dans l’espace.
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