Broadway style : Style de danse associé à la scène théâtrale de Broadway, caractérisé par une grande précision rythmique, des contrastes de niveaux, de rythme et de dynamique, avec une exigence tant pour les solistes que pour l’ensemble. Il est à l’origine du modern jazz et s’est développé notamment avec West Side Story (1961).
West Side Story : Œuvre emblématique de la danse moderne et jazz, qui a contribué à la naissance du style modern jazz à Paris. Elle se distingue par ses chorégraphies dynamiques, ses contrastes et son influence sur la danse théâtrale.
Danse moderne et jazz : Courant artistique apparu avec la naissance du Broadway style, intégrant des techniques de contraste, de rupture et d’expression corporelle. Elle se développe à partir des années 1950, notamment avec des figures comme Gene Kelly et Jerome Robbins, et s’inscrit dans l’évolution de la comédie musicale américaine.
La danse moderne et jazz naît avec le Broadway style, influencé par des chorégraphes comme Jerome Robbins et Gene Kelly, qui introduisent des contrastes de niveaux, rythmes et dynamiques, avec une grande exigence pour les solistes et l’ensemble.
La popularisation de cette danse est liée à des œuvres majeures comme West Side Story (1961), qui marque le début des cours de moderne-jazz à Paris.
La technique de la danse moderne et jazz privilégie la précision rythmique, la mise en valeur des non-danseurs, et la capacité à jouer avec les contrastes et les ruptures.
La fin de l’époque classique du jazz et de la danse moderne est marquée par la montée du rock dans les années 1960, la difficulté des productions, et la diminution de la danse à Broadway à partir des années 1970.
La filmographie et l’industrie du cinéma, notamment avec Busby Berkeley, Fred et Adèle Astaire, et Arthur Freed, ont fortement contribué à l’essor et à la beauté de la comédie musicale, intégrant la danse dans un cadre cinématographique.
La contribution de chorégraphes comme Bob Fosse, avec ses contrastes, ses atmosphères sensuelles et son travail sur la lumière, ainsi que celle de Michael Bennett, qui a créé des spectacles comme "A Chorus Line" en utilisant une scénographie stylisée, ont marqué l’évolution de la danse à Broadway.
La danse moderne et jazz, née avec le Broadway style, est une forme expressive, rythmée et contrastée qui a profondément influencé la scène théâtrale et cinématographique, notamment à travers des œuvres comme West Side Story et les chorégraphies de Fosse et Bennett.
Gene Kelly : Chorégraphe et danseur américain, pionnier du Broadway style et du modern jazz, connu pour sa capacité à créer des contrastes de niveaux, rythmes et dynamiques, avec une exigence élevée pour solistes et ensemble. Premier à introduire une approche différente dans la danse théâtrale, notamment à partir de 1955.
Jerome Robbins : Chorégraphe américain, ayant débuté avec un ballet en 1944 qui devient une comédie musicale à succès. Il a créé "On the Town" en 1944, puis "West Side Story" en 1961, intégrant des décors naturels et un style de ballet jazz. Fondateur des Ballets USA, il a popularisé le ballet jazz.
Bob Fosse : Né en 1923, il débute dans le vaudeville et le cabaret, puis à Broadway. Connu pour ses contrastes, ruptures, atmosphère sensuelle, et un travail très personnel sur l’image et la lumière. Il a chorégraphié pour Broadway et réalisé plusieurs films, notamment "Sweet Charity", "Cabaret" et "All That Jazz". Son style se caractérise par des accents, dé-axes, et une forte expressivité.
Gwen Verdon : Artiste formée par Jack Cole, grande figure de Broadway et épouse de Bob Fosse. Elle se distingue par ses mouvements dé-axés, obliques, et ses accents très significatifs, contribuant à la richesse du style de Fosse.
Michael Bennett : Né en 1943, il a débuté comme danseur à Broadway, puis est devenu un chorégraphe et metteur en scène. Il est connu pour "A Chorus Line", spectacle basé sur des auditions, avec une scénographie minimaliste et un travail sur la vie des danseurs. Son style mêle mise en scène dépouillée et utilisation innovante de la lumière et des miroirs.
Les grands chorégraphes américains ont chacun apporté une contribution unique à la danse théâtrale, mêlant innovation stylistique, techniques de mise en scène, et une forte identité artistique, façonnant ainsi l’histoire de la comédie musicale et du spectacle américain.
Busby Berkeley : Réalisateur et chorégraphe connu pour ses effets kaléidoscopiques dans les scènes de danse cinématographiques, utilisant des effets visuels pour créer des images spectaculaires et visuellement complexes.
Fred et Adèle Astaire : Duo emblématique du cinéma américain, célèbre pour leur performance de claquettes et leur complicité sur scène et à l'écran, représentant une période où la danse était omniprésente dans le cinéma.
Arthur Freed : Producteur et parolier qui a apporté une grande beauté à la comédie musicale, formant un trio majeur avec la mise en scène et la chorégraphie dans l'âge d'or de la comédie musicale américaine, notamment entre 1939 et 1945.
Le cinéma américain a profondément intégré la danse dans ses productions, utilisant des techniques visuelles innovantes et des artistes emblématiques pour créer des moments esthétiques et spectaculaires qui ont marqué l’histoire du genre.
Techniques de mise en scène : Méthodes et procédés utilisés pour organiser et présenter une performance scénique ou cinématographique, afin de créer un impact visuel et narratif. Elles incluent la gestion des contrastes, des ruptures, des niveaux, et des atmosphères pour renforcer l’expression artistique.
Storyboard cinématographique : Représentation graphique séquencée d’un film ou d’une scène, constituée de dessins ou images illustrant chaque plan ou mouvement. Elle sert à planifier la mise en scène, la position des acteurs, la caméra, et les effets visuels, permettant une visualisation précise avant le tournage.
Effets visuels kaléidoscopiques : Techniques visuelles utilisant des motifs symétriques, répétitifs et colorés, créant des images complexes et hypnotiques. Ces effets, inspirés du kaléidoscope, sont souvent employés pour produire des moments esthétiques spectaculaires et psychédéliques, notamment dans le cinéma ou la scène.
La mise en scène repose sur la maîtrise des contrastes de niveaux, de rythmes, et de dynamiques, avec des ruptures non linéaires pour dynamiser la performance (ex : contraste entre soliste et ensemble, ruptures de rythme).
La conception de storyboards permet de planifier précisément chaque mouvement et effet visuel, facilitant la coordination entre la chorégraphie, la caméra, et les effets spéciaux.
Les effets kaléidoscopiques, bien que peu techniques selon certains artistes, apportent une dimension esthétique forte, notamment dans les moments où l’on souhaite créer une ambiance hypnotique ou psychédélique.
La mise en scène de Busby Berkeley illustre l’utilisation d’effets kaléidoscopiques pour des moments visuellement spectaculaires, sans nécessiter une technicité complexe mais en valorisant la beauté visuelle.
La scénographie stylisée et l’utilisation de lumières, miroirs, et décors naturels (ex : New York dans "On the Town") participent à la création d’atmosphères variées et immersives.
Les techniques de mise en scène combinent contrastes, ruptures, et effets visuels pour renforcer l’impact artistique, avec une importance particulière donnée à la planification précise via le storyboard et à l’utilisation d’effets kaléidoscopiques pour créer des images spectaculaires.
L’évolution de la danse à Broadway, marquée par l’intégration du cinéma, la naissance du style Broadway et du modern jazz, s’inscrit dans une période de grands changements artistiques et techniques, culminant dans une période de déclin dans les années 70.
Chorégraphie de Bob Fosse : Style de danse théâtrale caractérisé par des contrastes, des ruptures, des accents précis, une atmosphère très sensuelle, un sens de l’image et un travail de lumière très personnel. Fosse débute dans le Vaudeville et le cabaret, puis à Broadway, avec une approche qui joue sur la précision rythmique, la mise en valeur des non-danseurs, et une esthétique marquée par des contrastes et une atmosphère sensuelle (source : page 2).
Style de danse théâtrale de Fosse : Danse jouant sur les contrastes, les ruptures, les accents, avec une atmosphère très sensuelle. Il utilise un sens de l’image et un travail de lumière très personnel, intégrant des éléments de mise en scène et de scénographie stylisée pour créer des climats spécifiques (source : page 2).
Contrastes et atmosphère sensuelle : La chorégraphie de Fosse se distingue par l’utilisation de contrastes marqués (niveau, rythme, dynamique) et par une atmosphère très sensuelle, accentuant l’aspect émotionnel et visuel de la danse. La mise en scène repose sur des ruptures, des accents et une utilisation expressive de la lumière pour renforcer cette atmosphère (source : page 1, 2).
La chorégraphie de Fosse se caractérise par une utilisation marquée de contrastes : niveaux, rythmes, dynamiques, ruptures non linéaires, ce qui donne une grande précision et une exigence forte pour les solistes et l’ensemble (source : page 1).
Son style valorise aussi bien les danseurs professionnels que les non-danseurs, avec une mise en valeur particulière de ces derniers (source : page 1).
La danse théâtrale de Fosse est fortement influencée par son expérience dans le Vaudeville et le cabaret, intégrant des éléments de sensualité, de mise en scène, et de lumière pour créer une atmosphère unique (source : page 2).
La mise en scène et la scénographie jouent un rôle essentiel dans ses chorégraphies, avec une utilisation stylisée de lumières et de décors pour renforcer l’atmosphère (source : page 2).
Fosse a travaillé à Broadway, puis dans le cinéma avec des films comme Sweet Charity, Cabaret et All That Jazz, en conservant cette esthétique de contrastes et d’atmosphère sensuelle (source : page 2).
La chorégraphie de Bob Fosse se distingue par ses contrastes, ses ruptures et une atmosphère très sensuelle, renforcés par un travail précis de lumière et de mise en scène, faisant de lui l’un des grands de la danse théâtrale américaine.
Mise en scène : Organisation et coordination de tous les éléments artistiques, techniques et scénographiques pour créer une représentation cohérente et expressive d’un spectacle. Elle inclut la direction des acteurs, la scénographie, la lumière, le rythme, etc.
Scénographie : Ensemble des éléments visuels et spatiaux qui créent l’environnement d’une représentation. Elle sert à situer l’action dans un espace précis, à renforcer l’atmosphère et à soutenir la narration.
Scénographie stylisée de Michael Bennett : Utilisation de moyens visuels et techniques (lumières, panneaux, miroirs) pour créer une atmosphère marquée et évocatrice, souvent dépouillée, permettant de souligner les climats de chaque scène.
Utilisation de lumières et miroirs : Technique scénographique consistant à jouer avec l’éclairage et la réflexion pour moduler l’espace scénique, créer des effets visuels, accentuer certains moments ou états d’esprit, et transformer la perception du lieu et des personnages.
La mise en scène et la scénographie, notamment par leur stylisation et l’utilisation innovante de lumières et miroirs, jouent un rôle essentiel dans la création d’atmosphères marquantes et dans la cohérence artistique d’un spectacle, comme le montre la démarche de Michael Bennett.
Histoire de la comédie musicale américaine : Évolution du genre théâtral et cinématographique mêlant musique, danse et narration, marquée par des figures emblématiques comme Gene Kelly, Jerome Robbins, Bob Fosse, et des œuvres majeures telles que West Side Story et A Chorus Line. Elle s’inscrit dans le contexte de l’industrie du cinéma à Los Angeles, avec une influence notable du cinéma sur la danse (voir section 9).
Influence du cinéma sur la danse : La manière dont le cinéma a façonné la danse à travers des réalisations techniques, des effets visuels (ex : Busby Berkeley), et l’intégration de chorégraphies dans les films. Le cinéma a permis de mettre en valeur la danse, notamment par le storyboard, les angles de caméra, et des effets kaléidoscopiques, tout en valorisant certains danseurs comme Fred et Adèle Astaire ou Ruby Keeler.
Origines du jazz dans le cinéma : La naissance du jazz dans le cinéma américain, notamment avec The Jazz Singer (1927), premier film parlant où le jazz apparaît comme un élément central. Le jazz s’intègre dans la comédie musicale et influence la danse, avec une évolution parallèle à celle du genre cinématographique, contribuant à la dynamique rythmique et stylistique de la période.
L’histoire de la comédie musicale américaine est une évolution dynamique mêlant innovations artistiques, influences cinématographiques et figures emblématiques, qui ont façonné un genre à la fois théâtral et cinématographique, en constante transformation.
Busby Berkeley : Réalisateur de films connu pour ses effets kaléidoscopiques et ses chorégraphies élaborées, utilisant des effets visuels pour créer des images spectaculaires. Ses œuvres sont marquantes pour leur esthétique visuelle unique, bien qu'il ne soit pas très technique, mais ses moments restent emblématiques de l’histoire du cinéma dans la danse.
Fred et Adèle Astaire : Duo de danseurs emblématiques du cinéma américain, omniprésents dans la période classique. Leur style est caractérisé par la claquette, la précision et la légèreté, contribuant à populariser la danse dans le contexte cinématographique.
Arthur Freed : Producteur et créateur de la "Tiercé majeur" de la comédie musicale, il a apporté une grande beauté à la production cinématographique de la danse, notamment durant la période 1939-1945, en intégrant la danse comme élément central dans les films.
La présence de la danse dans le cinéma américain est renforcée par des figures comme Busby Berkeley, dont les effets visuels kaléidoscopiques ont marqué l’histoire visuelle de la danse au cinéma, notamment avec des moments esthétiques spectaculaires.
Fred et Adèle Astaire ont incarné l’omniprésence de la claquette dans le cinéma de l’époque, contribuant à la popularisation de cette technique et à l’essor de la danse cinématographique.
Arthur Freed a donné une dimension esthétique et artistique à la comédie musicale, en intégrant la danse comme un élément essentiel, ce qui a permis de faire évoluer le genre vers une expression plus artistique et visuelle.
Le cinéma a permis de mettre en scène la danse de manière spectaculaire, en utilisant des techniques comme le storyboard pour planifier les chorégraphies et exploiter différents axes de caméra, notamment en dessous des danseurs.
La relation entre cinéma et danse a permis de faire évoluer la chorégraphie, en rendant la danse plus visuelle et accessible, tout en valorisant des artistes et chorégraphes comme Jerome Robbins, Fosse ou Bennett.
L’industrie cinématographique a profondément influencé la mise en scène et la popularisation de la danse, en utilisant des effets visuels innovants et en valorisant des artistes emblématiques, ce qui a permis d’intégrer la danse dans la culture populaire et de faire évoluer ses techniques et esthétiques.
(aucun date explicitement mentionnée dans le contenu fourni, donc cette section est omise)
| Thème | Notions clés | Auteurs / Figures | Caractéristiques / Contributions |
|---|---|---|---|
| Danse moderne et jazz | Broadway style, West Side Story, contrastes, rupture, expression | Gene Kelly, Jerome Robbins | Influence sur la danse théâtrale, développement du modern jazz, précision rythmique, techniques de contraste |
| Chorégraphes américains | Gene Kelly, Jerome Robbins, Bob Fosse, Gwen Verdon, Michael Bennett | Kelly, Robbins, Fosse, Verdon, Bennett | Styles variés : contrastes, sensualité, mise en scène minimaliste, innovation stylistique |
| Cinéma et danse | Busby Berkeley, Fred et Adèle Astaire, Arthur Freed | Berkeley, Astaire, Freed | Effets visuels spectaculaires, danse intégrée au cinéma, esthétique de la comédie musicale |
| Techniques de mise en scène | Contrastes, ruptures, niveaux, atmosphères, storyboard | — | Organisation visuelle, impact narratif, planification précise |
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1. En quoi la danse moderne et jazz, toutes deux issues du Broadway style, se ressemblent-elles dans leur développement stylistique ?
2. Qui est crédité pour avoir créé la chorégraphie du film 'Cabaret' et caractérisé par ses contrastes et atmosphère sensuelle ?
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Broadway style — définition ?
Style de danse précis, rythmé, contrasté, développé à Broadway.
West Side Story — influence ?
A popularisé le modern jazz et la danse dynamique à Paris.
Danse moderne et jazz — origine ?
Naît avec le Broadway style, influencé par Robbins et Kelly.
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