Hoja de repaso: Histoire et formes du théâtre

📋 Plan du Cours

1. Origines du théâtre, comédie et tragédie
2. Théâtre classique, baroque et règles
3. Formes classiques du XVIIe siècle
4. Théâtre des Lumières et drame bourgeois
5. Romantisme, Hernani et mélodrame
6. Théâtre contemporain et crise du sens
7. Double énonciation théâtrale
8. Formes de parole sur scène
9. Structure de la pièce

📖 1. Origines du théâtre, comédie et tragédie

🔑 Notions clés & Définitions

• Théâtre : Le théâtre est un espace de spectacle, issu du grec theatron, où l’on regarde.
• Comédie : La comédie est un genre né de cortèges festifs liés à Dionysos et évoluant vers des formes théâtrales codifiées.
• Tragédie : La tragédie est un genre lié à Dionysos, centrée sur le malheur de personnages nobles et une réflexion sur le destin.
• Dionysos : Dionysos est un dieu associé à l’origine rituelle de la comédie et de la tragédie dans le monde grec.
• Catharsis : La catharsis est la libération/ purification des émotions produite par le spectacle tragique.

📝 Points essentiels

• La comédie s’oriente vers une correction des mœurs par le rire, notamment pour ridiculiser des vices comme l’hypocrisie ou la crédulité.
• La tragédie met en scène le malheur de nobles personnages et vise craint et pitié menant à la catharsis.
• La tragédie est définie comme mimesis : elle imite l’action humaine par des personnages qui parlent et bougent sur scène.
• Le héros tragique est un être exceptionnel de la mythologie grecque, généralement présenté comme un demi-dieu.

💡 Astuce mémo

Comédie = rire qui corrige ; Tragédie = pitié+craintes qui purgent (catharsis).

📖 2. Théâtre classique, baroque et règles

🔑 Notions clés & Définitions

• Baroque : Le baroque est un style tourné vers l’excès, le mouvement et les contrastes, sans adhérer à une codification stricte des genres.
• Théâtre du monde : Le théâtre du monde est une mise en abyme qui fait du théâtre une image d’illusions et de représentations multiples.
• Classicisme : Le classicisme est un style fondé sur des règles strictes destinées à discipliner l’émotion du spectateur.
• Règles des trois unités : Les règles des trois unités imposent une cohérence spatio-temporelle et narrative dans la construction des pièces classiques.
• Bienséance : La bienséance est une norme classique qui encadre la représentation et contribue à la mesure du spectacle.

📝 Points essentiels

• Le baroque fait apparaître des sentiments constants et une apparence trompeuse, avec un monde présenté comme en mouvement.
• Le classicisme recherche l’ordre et la mesure grâce à des règles comme les trois unités, la vraisemblance et la séparation des genres.
• Au XVIIe siècle, les deux styles coexistent au début du siècle malgré leur opposition.
• Le classicisme vise la purification des passions pour limiter les excès émotionnels du public.

💡 Astuce mémo

Baroque : contraste et mouvement ; Classicisme : unités et mesure.

📖 3. Formes classiques du XVIIe siècle

🔑 Notions clés & Définitions

• Comédie classique : La comédie classique est une forme du XVIIe siècle écrite et construite selon les attentes de la comédie au service d’un sujet plus sérieux.
• Comédie-ballet : La comédie-ballet associe théâtre, musique et danse pour un divertissement apprécié à la cour.
• Grande comédie : La grande comédie est une forme en cinq actes le plus souvent en vers, centrée sur une critique des défauts humains et des problèmes de société.
• Tragédie classique : La tragédie classique est une forme codifiée par les unités, un style noble en alexandrins, et une intrigue resserrée aboutissant à une issue malheureuse.
• Tragi-comédie : La tragi-comédie est une forme mélangeant comique et tragique avec des personnages nobles et un dénouement heureux.

📝 Points essentiels

• La comédie-ballet est illustrée par Le Bourgeois Gentilhomme (1670) de Molière.
• La grande comédie en cinq actes est illustrée par L’École des femmes (1662), où le comique sert une critique plus profonde.
• La tragédie classique interdit la violence sur scène : on y meurt et on s’y fait tuer hors champ selon le modèle présenté.
• Le Cid (1637) est cité comme exemple de tragi-comédie mêlant éléments dramatiques et composition classique.
• La tragédie classique exige vraisemblance et unité de temps autour d’une action supposée se dérouler en 24h sur un lieu unique.

💡 Astuce mémo

Cinq actes (grande comédie) vs Cinq actes (tragédie) : la différence tient au rire et au dénouement.

📖 4. Théâtre des Lumières et drame bourgeois

🔑 Notions clés & Définitions

• Esprits libres : Les esprits libres sont des auteurs et lecteurs qui contestent l’attitude autoritaire du clergé envers le théâtre.
• Drame bourgeois : Le drame bourgeois est un genre sérieux qui remplace la tragédie classique en peignant des situations familiales et sociales réalistes.
• Prose : La prose est un choix d’écriture privilégié pour exprimer de façon jugée plus authentique les conflits et émotions.
• Pathétique : Le pathétique est l’émotion recherchée qui se substitue au tragique dans la visée d’un théâtre moral.
• Théâtre de la vertu : Le théâtre de la vertu est l’idée selon laquelle l’écriture doit mettre en avant la vertu et des personnages vertueux.

📝 Points essentiels

• Au XVIIIe, le théâtre se diversifie autour de la Comédie-Française, ce qui accompagne l’évolution sociale des Lumières.
• Diderot propose le drame bourgeois parce que la tragédie classique n’intéresse plus le public « éclairé ».
• Le drame bourgeois privilégie des personnages proches du public et un registre pathétique pour guider la morale du spectateur.
• Dans Œdipe (1718), la tragédie philosophique véhicule des idées des Lumières et répond au goût du public pour un tragique hérité.
• La vertu est formulée comme priorité d’écriture chez Diderot, avec l’idée que l’attention doit porter sur les gens vertueux.

💡 Astuce mémo

Lumières = raison et pédagogie : la morale passe par le pathétique (drame bourgeois).

📖 5. Romantisme, Hernani et mélodrame

🔑 Notions clés & Définitions

• Romantisme : Le romantisme est un mouvement qui refuse les anciennes règles et cherche un théâtre capable de passions et de large dramaturgie.
• Bataille d’Hernani : La bataille d’Hernani désigne le combat spectaculaire entre partisans et opposants lors de la première représentation du drame.
• Drame romantique : Le drame romantique est une forme qui rompt avec les unités et les bienséances et mélange comique et tragique.
• Comédie romantique : La comédie romantique associe sérieux et burlesque avec une intrigue amoureuse au dénouement malheureux.
• Mélodrame : Le mélodrame est un drame populaire fondé sur l’accumulation de situations pathétiques et souvent invraisemblables, avec effets émotionnels marqués.

📝 Points essentiels

• Les auteurs romantiques veulent un théâtre libéré des bienséances pour mettre en scène Histoire et pouvoir dans une dramaturgie ample.
• La représentation d’Hernani (25 février 1830) provoque des altercations violentes lors du premier soir.
• Hernani (1830) est présenté comme en prose ou en alexandrins avec fin des unités et des bienséances, incluant actions violentes sur scène.
• On badine pas avec l’amour (1834) est cité comme comédie romantique où l’intrigue amoureuse aboutit à un dénouement malheureux.
• Le mélodrame multiplie épisodes violents et effets de comique associés aux larmes pour produire une émotion facile.

💡 Astuce mémo

Hernani = règles cassées + violence sur scène ; Mélodrame = larmes + coups + invraisemblance.

📖 6. Théâtre contemporain et crise du sens

🔑 Notions clés & Définitions

• Théâtre engagé : Le théâtre engagé est une écriture qui met en scène des réflexions face au pouvoir et à l’engagement politique de l’individu.
• Courant de l’absurde : Le courant de l’absurde est un théâtre où dominent le non-sens et l’attente répétitive, déstabilisant la recherche de sens.
• Subversion : La subversion est un mode d’écriture théâtrale visant à choquer et à rejeter des formes établies.
• Écriture expérimentale : L’écriture expérimentale désigne des tentatives contemporaines portant sur la langue, les thèmes, les tonalités et la relation au public.
• Metteur en scène : Le metteur en scène devient une figure majeure de la création, en apportant un regard créatif sur l’expression et la mise en scène.

📝 Points essentiels

• Après la Seconde Guerre mondiale, les dramaturges cherchent à questionner l’humanité et la responsabilité, en lien avec l’histoire récente.
• Au XXe siècle, la diversité des écritures inclut des expérimentations et une attention nouvelle à la relation établie avec le public.
• Alfred Jarry, avec Ubu roi, est présenté comme une pièce faite pour choquer par la subversion.
• Dans Rhinocéros (1958) et En attendant Godot (1953), le rire naît respectivement de la montée des idéologies et du non-sens dialogué.
• Le metteur en scène obtient une place décisive : il ne se limite plus à organiser les techniques, mais produit un projet créatif global.

💡 Astuce mémo

Après guerre : chercher du sens ; Absurde : le sens se dissout (attente/non-sens).

📖 7. Double énonciation théâtrale

🔑 Notions clés & Définitions

• Double énonciation : La double énonciation fait coexister un discours adressé entre personnages sur scène et un discours global adressé au public.
• Premier plan d’énonciation : Le premier plan d’énonciation correspond aux paroles et interactions des personnages entre eux sur scène.
• Deuxième plan d’énonciation : Le deuxième plan d’énonciation regroupe l’ensemble des éléments scéniques qui communiquent avec le public.
• Dialogue : Le dialogue est un échange de paroles entre personnages, au moins deux.
• Didascalies : Les didascalies sont des indications de mise en scène présentes dans le texte théâtral et non prononcées par les acteurs.

📝 Points essentiels

• Les propos des personnages et leurs gestes, costumes et décors forment un discours global destiné au public.
• Une réplique correspond à une prise de parole courte, tandis qu’une tirade désigne une parole plus longue ou monopolisée par un personnage.
• La stichomythie est un échange rapide de répliques de même longueur dans la tragédie, vers à vers ou hémistiche à hémistiche.
• Un aparté est destiné au spectateur seul, avec l’objectif de renforcer une complicité notamment dans la comédie classique.
• Les didascalies peuvent apparaître en parenthèses, en italiques, et inclure liste des personnages, actes et scènes, sorties et indications techniques.

💡 Astuce mémo

Sur scène tu parles à l’autre ; à côté tu écris pour le public (double).

📖 8. Formes de parole sur scène

🔑 Notions clés & Définitions

• Réplique : La réplique est une prise de parole courte dans un échange dialogué entre personnages.
• Tirade : La tirade est une prise de parole longue ou monopolisée par un personnage.
• Monologue : Le monologue est un moment où un personnage seul parle pour révéler ses pensées au spectateur.
• Aparté : L’aparté est une parole dite à part, supposée entendue seulement par le spectateur.
• Polylogue : Le polylogue réunit au moins trois personnages parlant en même temps sans véritable échange.

📝 Points essentiels

• Dans la tragédie, la stichomythie correspond à un échange rapide de paroles de même longueur, selon une unité vers/rythme classique.
• Le monologue vise l’exposition des pensées du personnage et peut recourir à interjections, exclamations et questions.
• L’aparté doit pouvoir être entendu par le spectateur même si un autre personnage est présent sur scène.
• Le polylogue se distingue du dialogue car il n’y a pas de communication réelle entre les intervenants.
• Le texte peut aussi comporter prologue et didascalies pour introduire personnages/action et donner des indications scéniques.

💡 Astuce mémo

Réplique courte, Tirade longue ; Monologue seul, Aparté complice ; Polylogue brouille la communication.

📖 9. Structure de la pièce

🔑 Notions clés & Définitions

• Acte : L’acte est une grande division d’une pièce qui correspond à une étape importante de l’action.
• Scène : La scène est une subdivision fréquente des actes, utile pour organiser l’intrigue et ses étapes.
• Exposition : L’exposition présente le cadre, les personnages et l’intrigue à venir, souvent tôt dans la pièce.
• Nœud : Le nœud est la partie où l’intrigue se resserre via péripéties et rebondissements.
• Dénouement : Le dénouement résout le sort des personnages et clôt les problèmes soulevés par l’action.

📝 Points essentiels

• L’exposition se situe le plus souvent lors de la scène 1 de l’acte I, parfois in medias res, dès que le rideau se lève.
• Le nœud de comédie s’appuie sur des obstacles extérieurs, avec une multiplication de péripéties et une vivacité d’intrigue fondée sur des situations.
• Dans la tragédie, le nœud oppose des conflits intérieurs et fait intervenir un dilemme tragique entre amour et devoir, ou amour et raison d’État.
• Le dénouement comique rétablit l’équilibre et la morale, avec des issues heureuses présentées comme logiques et condensées.
• Le dénouement tragique est traditionnellement malheureux, avec parfois un deus ex machina comme élément extérieur qui arrange soudainement.

💡 Astuce mémo

Exposition = cadre ; Nœud = obstacles ; Dénouement = issue (heureuse en comédie, malheureuse en tragédie).

📅 Repères chronologiques

📊 Tableaux de synthèse

Comédie vs Tragédie (schéma général)

⚠️ Pièges & confusions fréquents

1. Confondre la comédie et la tragédie : la première vise le rire social et une fin heureuse, la seconde vise craint/pitié et un dénouement traditionnellement malheureux.
2. Oublier que la tragédie vise la catharsis : elle n’est pas seulement un récit triste, mais une purification des émotions.
3. Prendre les bienséances et les unités pour des éléments baroques : elles sont associées au classicisme, puis abandonnées dans le romantisme.
4. Croire que le drame romantique conserve les règles classiques : il rompt les unités et les bienséances et autorise la violence sur scène.
5. Mélanger polylogue et dialogue : le polylogue réunit plusieurs prises de parole sans échange réel, contrairement au dialogue.
6. Penser que les obstacles du nœud sont identiques partout : ils sont extérieurs en comédie et intérieurs en tragédie.

✅ Checklist Examen

1. Savoir définir le théâtre comme espace de spectacle et relier l’origine grecque du terme à l’idée de regarder.
2. Donner une définition de la comédie et expliquer sa fonction morale et sociale via le rire.
3. Décrire la tragédie : malheur de nobles personnages, réflexion sur le destin, et rôle des émotions (craint/pitié).
4. Expliquer la catharsis et le lien avec la représentation tragique.
5. Connaître les principes opposant baroque et classicisme : excès/mouvement vs règles/mesure.
6. Citer au moins trois règles ou critères du classicisme : trois unités, vraisemblance et bienséance.
7. Reconnaître les caractéristiques d’au moins deux formes classiques du XVIIe : comédie-ballet, grande comédie, tragédie classique ou tragi-comédie.
8. Identifier des éléments codifiés de la tragédie classique : cinq actes, alexandrins, unités, vraisemblance et violence hors champ.
9. Expliquer pourquoi le XVIIIe abandonne la tragédie classique : intérêt réduit du public éclairé et proposition du drame bourgeois.
10. Décrire le drame bourgeois : visée morale, prose privilégiée, pathétique et personnages proches du public.
11. Expliquer la rupture romantique : fin des unités et des bienséances, mélange des genres et possibilité de violence sur scène.
12. Connaître la bataille d’Hernani (date de première) et les conséquences de l’accueil du drame romantique.
13. Décrire la double énonciation : premier plan entre personnages et deuxième plan adressé au public via l’ensemble scénique.
14. Maîtriser les formes de parole : dialogue/répliques/tirades, monologue, aparté, polylogue, et la stichomythie en tragédie.